No hay una manera más alta de decirle adiós a una sección musical, que presentando la que, probablemente, sea la obra más maravillosa de todos los tiempos en la Historia de la música: el Réquiem de Mozart; claro, en gustos y apreciaciones se rompen géneros, pero esta es sin duda una joya artística en el haber de la especie humana.
Aquí, la versión completa, dirigida por uno de los mejores directores contemporáneos: Herbert Von Karajan.
Disfruten de este concierto, de este deleite a los sentidos. De paso, los invitamos a conocer más, en la red, acerca de este extraordinario músico austriaco, y su trágica y extrema historia.
Nos despedimos, recomendándoles escuchar y sentir lo que se escucha, en absoluta libertad...
Atte. Sonografía Varia.
Wolfgang Amadeus Mozart, Réquiem in d minor, k 626
Herbert Von Karajan, Wiener Philharmoniker, Wiener Singverein 1986
"La música se tenía por algo serio, sagrado, que debía purificar los sentimientos de los hombres."
Yu/El entusiasmo. I Ching.
para Brian Jones y Richard Alonz.
La música negra-con el Blues y el Jazz a la cabeza-revolucionó la cultura occidental a partir del comienzo del siglo pasado. En Europa, las artes se encontraban en un duro callejón sin salida, debido entre otras razones principalmente al inicio de la crisis endémica del sistema capitalista. Gracias a la bocanada de aire fresco que implicaron estos estilos musicales a nivel técnico, estético e ideológico, pudo darse una rádical renovación de las expresiones vitales de las clases dominantes-literatura, cine, música, plástica-en interminable decadencia. Como siempre, esta revolución cultural fue generada por las eternas ansias libertarias de los trabajadores. El Blues es música de esclavos, de seres desposeídos que abominan la injusticia, pero que han debido padecerla hasta la ignominia en carne propia, perpetrada por la minoría anglosajona europea y americana, inmemorialmente racista y neuróticamente conservadora-cobardes y asesinas aún agrego-. Una de las raíces del Shrag (antecedente directo del Blues) son las worksongs o canciones de trabajo, cuya ley según el antropólogo alemán Janheinz Jahn consiste en: intensificar la energía mediante la música. Su efecto es la transformación del trabajo en una especie de juego, de danza, lo cual a su vez provoca una exitación que no puede producirse con la monótonas tareas diarias.
Así el esclavo subvertía las penosas jornadas de trabajo sin salario, y aún funciona, porque el Blues en un ritmo maldito, barriobajero-como el tango, el flamenco, el son, etc-que trastorna imparable cualquier orden establecido. Los grandes bluseros manejan fórmulas espirituales que arraigan la vida en contra de la pulsión tanática, provocan la esperanza de cambio, de trascendencia, en las peores condiciones posibles. Aún bajo la esclavitud miserable a la que nos sigue condenando la clase dominante. Como siempre, desde aquellos tiempos del ball and chain (cadena y bola de hierro que los esclavos llevaban en los tobillos también conocida como The Blackberry) la fuerza espiritual de los pueblos consigue la superación histórica. Este canto de guerra negro que cura las heridas más intimas en el corazón humano; esa ráfaga, el blues, esa diablura; la rabia de vivir (Borges y Mezzrow dixit) nutre el rock Inglés de los Rolling Stones.
Los Stones fueron los primeros jovencitos ingleses en atreverse a imitar a los negros, llevar el cabello muuy largo, adoptar una actitud desafiante en contra de la corrupta "autoridad", tocar pesado, sexoso y distorsionado, no usar uniformes, salir al escenario con su ropa del diario, todo lo cual era considerado de muy mal gusto ya que a los chavos se les exigía una conducta intachablemente servíl con el mundo adulto. Mientras los Beatles cantaban Quiero estrechar tu Mano, Jagger y compañía reinterpretaban al tremendo Willie Dixon berreando ¡Quiero Hacer el amor Contigo! Lennon, Maca y los otros sonreían candidamente en fotos para adolescentes ingenuas, mientras Brian Jones y sus secuases mostraban la caradura, seria e inmutable del rebelde atormentado por el hartazgo. Intuitivamente desarrollaron esa imagen de niños delincuentes, feos y malditos, dispuestos a comerse el mundo, regurgitarlo, y vomitarlo a los pies horrorizados de los adultos; ese feismo poético sacudió gravemente los oxidados referentes de aquellos mayores de treinta años. Groseros, mal portados, vulgares, valemadres, la llegada del manager Andrew Loyd Oldham significó la independencia creativa para la banda , en una industria dominada por tipos encorbatados en cuerpo y alma. Su primer single Come On-un cover al poeta negro Chuck Berry-solo llegó al número 50 en las listas de popularidad, mientras The Beatles estaban en el # 1 con From me to You; Mick Jagger sonaba irónicamente enfadado mientras canturreaba:Solo otro tipo estúpido tratando de alcanzar otro número uno. Pronto desatarían la envidia y el escándalo en la estratificadísima sociedad inglesa al convertirse en modelos de inconformismo y empezar a amasar su fortuna-basada en el trabajo y el talento artístico y nunca en la brutal explotación de sus semejantes (al menos eso espero)-a principios de los 60, las bandas se juntaban a hacer música porque la amaban, y por el placer de compartirla con los amigos, no para vender y hacerse millonarios.
Una madrugada de finales de 1964 Keith Richards se despierta, aún mediodormido graba en una cinta de una casetera que tenía preparada junto a la cama el riff de uno de los primeros himnos del rock, la demoledora sátira de la alienación consumista Satisfacción, para despues seguir durmiendo a pierna suelta:
No consigo satisfacción
y eso que trato
cuando voy conduciendo mi auto
Y aquel hombre de la radio
insistiendo una y otra vez
sobre una inutil información
que se supone incendiará mi imaginación
y cuando miro la tele
y ese tipo sale diciendo
lo blancas que pueden ser mis camisas
pero no puede ser un hombre
pues ni siquiera fuma
la misma marca de cigarros que yo.
A partir de aquí, se suceden una serie de disturbios, caos, y escenas de violencia e histeria colectiva en sus presentaciones en vivo. El certero escritor Inglés Nick Cohn-uno de los primeros críticos de rock, autor del excelente libro Awopbopaloobop Alopbamboom-define de este modo la vanguardia representada por esta banda:
Realmente los Stones fueron grandes liberadores:crearon un nuevo estilo de arrogancia y el cambio pudo observarse en la ascensión del Mod, en Carnaby Street, y Radio Caroline, en Cathy McGowan y los Who , y más tarde en Twiggy. No eran propiamente creaciones juveniles, pero casi todos los que se hallaban envueltos en ello eran menores de treinta años.Nada de eso hubiera sido posible en los años cincuenta. Por primera vez Inglaterra tenía algo parecido a una sociedad joven funcionando por su cuenta, y creo que fueron los Stones, y no los Beatles, quienes la encabezaban.
El Sistema respondería de la única forma que sabe hacerlo en estas circunstancias, con represión, censura, descrédito y cárcel. Todos estos enfrentamientos con "la ley y el orden" solo hicieron más populares a las Piedras Rodantes. Recuerda Keith en sus memorias tituladas Vida :
Y luego se convirtió en una historia de "nosotros contra ellos". Yo no me habría podido imaginar jamás que al imperio británico le diera por meterse con unos cuantos músicos. ¿Dónde está la amenaza? ¿Tienes armadas y ejercitos y te da por enviar a tus malvadas tropas de mierda a atacar a un puñado de trovadores? Para mí aquello fue la muestra de lo inseguros que son en realidad los poderes establecidos y los gobiernos; y de lo sensibles que pueden llegar a ponerse frente a cosas que en realidad son triviales. Pero el hecho es que, cuando detectan amenazas, no paran de buscar al enemigo infiltrado sin darse cuenta de que la mitad del tiempo en realidad ¡son ellos! Fue un asalto a la sociedad en toda regla. Tuvimos que lanzar un ataque contra la industria del entretenimiento y luego el Gobierno nos empezó a tomar en serio...
La dura realidad los llevó a buscar respuestas contundentes en los escritos de los grandes maestros conspiradores:Marx, Engels, Bakunin, Lenin y Mao, principalmente. Estas notables influencias significaron una madurez y profundización en su música; haciendo un impresionante despliegue estilístico que sentó las bases de lo que ahora se conoce como "Rock Clásico". Una de sus primeras obras maestras Banquete de Pordioseros, fue fiel reflejo de la creciente proletarización de la cultura, ejemplo de este singular proceso(consistente en que la aburrida burguesía mira hacia abajo y se da cuenta de la alegre efervescencia de la clase trabajadora:checa guey que chido se la están pasando esos pinches nacos, y comienza a imitarla, a calcar su forma de vestir-¿acaso no eran los jeans/pantalones de mezclilla o sea los overoles con el peto recortado/el emblema de los mineros y los obreros antes del los años 50?-de hablar, de bailar, de comportarse...) son los tatuajes y los percings que hace medio siglo eran patrimonio exclusivo del lumpenaje y ahora son ridículo lugar común de las "niñas bien".
Este fue el despegue hacia un periodo de absoluta genialidad. Himnos de conciencia del movimiento juveníl. Peleador Callejero:
Paz, paz. No, no está muerto. No, no duerme.
Despertó ya del sueño de la vida,
en tanto que nosotros, extraviados
por sombrías visiones, mantenemos
una contienda inútil con fantasmas,
y en transe de locura, golpeamos
con el terco puñal de nuestro espíritu
invulnerables nadas.
Y el ciego enjambre de las esperanzas
nos hormiguea dentro de la carne.
Aún pudieron sobreponerse y alcanzar el pináculo de su talento creativo en dos extraordinarios albumes: Dedos Pegajosos y Exilio en la Calle Principal. En las posteriores décadas se han mantenido haciendo cosas interesantes, propositivas, hasta cierto punto críticas(recuérdese por ejemplo aquel High Wire en protesta a la primera invasión a Irak) y por lo menos dignas, aunque el haber tocado en el cumpleaños del tal Clinton me pareció un acto patético totalmente innecesario. La influencia de estas leyendas puede rastrearse hasta la actualidad en agrupaciones de diferentes géneros, del punk al dark, y del metal al hip-hop; ademas de que continuamente son -y serán-redescubiertos por la nuevas generaciones en busca de verdadera poesía para construir la música del futuro, para hacerse responsables de sus tareas históricas y transformar definitivamente está etapa de depredación humana que aùn estamos padeciendo.
Aquí compartimos algunos videos de los subersivos rockeros mencionados:
Street fighting man
(Peleador callejero)
Rolling Stones.
Satisfaction
(Live, 1997)
Rolling Stones
Symphaty for the devil
Rolling Stones
Loving Cup
(Album: Exile on maine street, 1974)
Rolling Stones
Juan Carlos CastrillónNació en México, D.F., el 3 de octubre de 1967. Es egresado de la escuela de escritores de la SOGEM. Ha publicado en los libros colectivos: Chiapas, pedacitos de historia (crónicas) y Paraguas para remediar la soledad (poesía); también en revistas y en el suplemento cultural del periódico El Financiero. Es fundador del Colectivo ¿La Decena Trágica?, mismo que ha dado recitales, ponencias, pláticas y conferencias en numerosos recintos culturales, librerías, preparatorias y colegios.Ha tomado talleres de poesía con Raúl Renán, Saúl Ibargoyen y Óscar Oliva; de narrativa política con el maestro Luis Carrión, y de dramaturgia con Hugo Argüelles. Además imparte el taller ?La poesía en el rock? desde hace ocho años, que ha tenido lugar en diversos sitios como el Corredor Cultural Balderas, Foro Injuve y el Circo Volador. Tiene cuatro libros de poemas, una novela y un libro de cuentos, todos inéditos y actualmente prepara una antología de canciones-poemas de rock, acompañadas de ensayos sobre el mismo tema, próxima a publicarse. Sobrevive impartiendo clases de inglés.
En la edición del número 8 de Sonografía Varia, hemos decidido dedicar la sección a dos propuestas hasta cierto punto, si no conceptuales, al menos propositivas: el Chapman Stick y la ReacTable.
La ReacTable es un nuevo y revolucionario instrumento musical diseñado para crear y ejecutar la música de hoy y de mañana, en palabras de sus diseñadores. Combina el estado de la tecnología artística -si tal existe- con un simple diseño basado en la intuición. La Reactable se basa en un concepto donde el músico controla el sistema manipulando objetos. El instrumento está basado en una mesa translúcida y luminosa, donde mediante sensores se conectan los elementros unos con otros, logrando diferentes efectos de sintetizadores, samples, y lopps que permiten una composición flexible y única.
Tal vez la propuesta de dicho instrumento genere controversia, y de manera evidente se puede cuestionar el planteamiento artístico que su exitencia presupone; pero es innegable que la propuesta es digna de considerarse en un futuro globalizado donde la adoración de la tecnología es un hecho referencial. En México, el colectivo Nortec se está encargando de difundir su propuesta.
Del Chapman Stick hemos tenido oportunidad de hablar de manera amplia con anterioridad. Hoy no queremos hablar mucho sobre él, sino escucharlo. Para ello, hemos reunido algunos videos de uno de los más virtuosos ejecutantes de Chapman Stick en nuestro país: Japhlet Bire Attias.
Japhlet pertenece a ese selecto grupo de ejecutantes -cercano a la media docena- que se atreven a acercarse al instrumento en México. Muchos otros lo ocupan en proyectos que coquetean con el jazz, el blues y el rock, haciendo las funciones de bajo y requinto. Un ejemplo de este uso es el que tiene la internacional y magnífica banda mexicana Cabezas de cera.
Sin embargo, a diferencia de los otros músicos que lo emplean, Japhlet se caracteriza por la versatilidad con que ejecuta las piezas. Ecléctico, armónico y profundamente sensible, la música de Bire abarca desde la prouesta jazzística, cruzando el bolero mexicano hasta llegar al Rondó a la turca, de Mozart. Ama la libertad de las propuestas; rehuye los estereotipos. Las yemas de los desdos de Japhlet se deslizan sobre el Chapman, endulzando el ambiente; transportándonos a un misticismo sincero y delicado que fortalece la espiritualidad y la idea trascendental de la belleza. Cuando se le escucha, el alma permance en armonía. Cualquie contacto con Japhlet, para conseguir algún disco o conocer más de su obra, puede contactarlo en la siguiente dirección: japhletba@gmail.com
Sin más preámbulos, aquí los dejamos con los videos prometidos:
Nació el 31 de enero de 1937 en Baltimore. Su padre lo introdujo en el mundo de la música de cámara. Se inició en el violín a los seis años y a la flauta cuando contaba ocho años. Cursó estudios en la Universidad de Chicago, manteniéndose a base de trabajos de media jornada sirviendo mesas y cargando aviones en aeropuertos. A los diecinueve años se trasladó a Nueva York para estudiar en la Juilliard School. Cuando contaba 33 años, había estudiado con Vincent Persichetti, Darius Milhaud y William Bergsma. Había rechazado el serialismo y prefirió compositores inconformistas como Harry Partch, Ives, Moondog, Henry Cowell y Virgil Thomson, pero aún no había encontrado su estilo. Viaja a París y durante dos años estudia con Nadia Boulanger. Fue en París, a comienzo de los sesenta, cuando Philip Glass conoció a los miembros de la compañía de teatro experimental Mabou Mines. Philip Glass entró a trabajar con ellos como director musical y compositor. Entre las obras que compuso para los montajes de esta compañía se encuentra Play. Es contratado por un cineasta para transcribir la música india de Ravi Shankar y descubre las técnicas de la música india. Se interesa por la música en África del norte, India y el Himalaya. Regresa a Nueva York y comenzó a aplicar las técnicas orientales en su propio trabajo. Hacia 1976 había compuesto una extensa colección de nueva música, la mayoría para usar en compañías de teatro y para su propio grupo, el Philip Glass Ensemble. Este período incluía la Música en 12 partes, una recopilación de cuatro horas de la nueva música de Glass y la ópera Einstein on the beach. Su obra desde Einstein on the beach, abarca desde la ópera (Satyagraha, Akhnaten, The making of the representative for Planet 8, The fall of the house of Usher, The Juniper tree) hasta el cine (Koyaanisqatsi, Mishima, The thin blue line, Powaqqatsi), la danze (A descent into the maelstrom y In the upper room), e incasillables piezas para el teatro como The photographer y 1000 airplanes on the roof, y numerosas grabaciones. Entre sus trabajos posteriores destacan Itapú, para coro y orquesta basado en leyendas de los indios sudamericanos, y Hydrogen juke-box, con libreto de Allen Ginsberg.
«La ópera es un lugar para la innovación»
Por Marisol García | La Tercera, febrero 2010.
La estricta disciplina espiritual, la rutina doméstica y el acomodo familiar de Philip Glass (1937) en sus casas de Manhattan y Nueva Escocia son imágenes que sorprenden en A portrait in twelve parts, el documental con el que hace dos años el director Scott Hicks dio a conocer la dimensión personal del celebrado compositor estadounidense. “Siempre pensé que se trataría de un filme sobre mi trabajo, y no tanto sobre mi vida diaria”, comenta el músico. Entrevistas a su actual esposa, recuerdos sobre su primera viudez y el adiestramiento con un chamán tolteca son episodios que en el filme tienen tanta importancia como el estreno de sus óperas o la conceptualización de sus partituras para cine. Glass se expone allí como un marido recluido, un padre cariñoso y un magistral preparador de pizzas.
⎯¿Llegó a incomodarle un retrato así de cercano?
⎯Digamos que me sorprendió. Con el tiempo me acostumbré y ya no me parece tan terrible. Durante un año, Scott se volvió una presencia tan constante en mi vida que, para ser sincero, llegué a olvidar que estaba ahí. Él no me obligó a hacer ni decir nada y, sí, el resultado no me lo esperaba. ¿Pero es malo eso? Existen cinco documentales sobre mí, uno por cada década, por si alguien quiere verme envejeciendo. Quien elige trabajar en público se expone a la crítica, así como al riesgo de hacer el rídiculo. Es parte de mi vida y lo acepto.
Glass habla con sencillez desde una asumida conciencia de la importancia de su figura en la música de los últimos 50 años. Una videoconferencia organizada por el Teatro Municipal y la Universidad Sek trae su imagen y voz desde Nueva York con el fin de adelantar su primera visita a Santiago, donde ofrecerá cuatro conciertos entre el 15 y 18 de abril. El autor llega a Chile de modo excepcional, sin una gira de por medio, ocupado entre encargos para soportes diversos, como los conciertos para violín (The American four seasons, recién estrenado), la parcial musicalización de un venidero documental sobre el Tibet, y la banda sonora de Mr. Nice, próximo estreno del británico Bernard Rose. “Intento tomar no más de dos películas al año. No considero que las bandas sonoras sean lo más importante de mi trabajo, pero sí son lo que me permite llegar a mucha gente y asociarme con mentes muy creativas. Es siempre un gran desafío”.
Aunque su nombre se ha hecho conocido sobre todo por su música para cine (The Truman show, Las horas y Mishima), el compositor ha firmado un sinfín de óperas y partituras para teatro, además de ocho sinfonías y ocho conciertos, entre otros muchos encargos que sucesivamente lo han vinculado al minimalismo, el rock, la electrónica y la llamada world music. “Creo que mi mejor trabajo ha sido en ópera”, admite. “Me acomoda trabajar para medios en los que puedan combinarse textos, movimiento y música. Allí parezco florecer. La ópera es, para mí, un lugar para la innovación”.
Viajero aplicado
Glass considera su acercamiento a las tradiciones folclóricas de Oceanía, Asia y África “lo más estimulante que me ha sucedido. Mi formación musical fue básicamente europea. Cuando comencé a trabajar con músicos de Australia o de África tuve que ir muy lejos de mi raíz, y eso fue desafiante. No es muy distinto de lo que experimenté trabajando con Lou Reed, David Bowie o Laurie Anderson: me alejo de mi mundo, aprendo de otros y ellos también se benefician de mi experiencia. Es un camino de ida y vuelta extraordinariamente placentero”.
Philip Glass. Retrospectiva de 40 años es el título que se le ha dado a su espectáculo en Chile, una selección especial de rango cronológico amplio y que será interpretada junto a su ya tradicional Philip Glass Ensemble, con 11 músicos y dirección de Michael Riesman.
El compositor se siente a bordo de una época de cambios “fascinantes”, de lo cuales se siente parcialmente resposable. “Cuando yo era joven, ningún compositor era, a su vez, intérprete. Se estudiaba música para ser profesor. Hoy los estudiantes ya no están tan interesados en el mundo académico, y piensan en sí mismos como arregladores, intérpretes…, lo cual me parece grandioso. Tengo el mayor respeto por los profesores, no quiero ver los convervatorios vacíos, pero no todos tienen ese don y es interesante que hoy la gente joven pueda tomar sus propias decisiones”.
Ahora disfrutemos un poco del lenguaje de este gran artista contemporáneo.
Ben Riley King; Indianola, EE UU, 1925) Guitarrista estadounidense de blues. Inició su camino en la música como disc-jockey en una importante emisora de radio de Memphis, donde se oiría por primera vez su propia música y popularizaría su nombre artístico. Esta importante promoción le permitió firmar por una discográfica independiente californiana, con la que trabajó durante diez años y para la que grabó tanto su primer disco (1949) como el que le lanzaría definitivamente a la fama, Three o’clock blues. Máxima figura del rhythm and blues, B.B. King creó escuela con su guitarra. Todavía en los años noventa muchos grupos consagrados seguían solicitando su colaboración: así, los Rolling Stones o U2. Dotado de una voz potente y de una personalísima técnica interpretativa, King fue el espejo donde se miraron los bluesmen más eminentes de las nuevas generaciones, como Albert King o Eric Clapton.
Hijo de Albert y Nora, aparceros cultivadores del algodón cuyas condiciones de vida no estaban muy alejadas de la esclavitud, sus padres se separaron cuando tenía cuatro años. El pequeño se fue a vivir con su madre, que moriría cinco años más tarde. Su abuela Eleonora, también aparcera, fue quien se hizo cargo de él. B.B. King tuvo su primer contacto con la música a través del coro de la iglesia baptista St. John Góspel, en la que su tío estaba emparentado con el reverendo. A los 16 años tuvo su primera guitarra, a la que llamó Lucille en honor a una mujer que murio en un incendio cuando dos hombres se disputaban su amor.
En esta etapa compaginó su afición por la música (trabajaba de disc-jockey en la única emisora de radio negra de la zona) con su empleo de conductor de tractor en una plantación. Cobraba en esa época 22 dólares al mes, y cuando finalizaba su jornada se dirigía a cualquier esquina a tocar su guitarra, trabajo con el que llegaba a conseguir cien dólares por noche. Decidido a dedicarse la música, viajó a la ciudad de Memphis, en el estado de Tennessee, donde llegó a formar varios grupos. En esta ciudad conoció a Sonny Boy Williamson II, con quien colaboró como disc-jockey en su programa de radio. En la emisora lo llamaban Blues Boy, apodo que abreviaría para formar su nombre artístico: B.B. King.
Gracias a sus contactos radiofónicos, a finales de 1949 grabó su primer disco: Miss Martha King, dedicado a su esposa. Dos años más tarde le llegó el éxito con su octavo single, Three o'clock blues, un verdadero superventas. En la década de los años 60 traspasó todas las fronteras: no era ya solamente un genio del blues, sino también uno de los mejores intérpretes de la música popular de todos los tiempos. En 1964 grabó su ya legendario Live at the Regal e inició un serie de giras que lo llevarían tres años más tarde a participar en el Festival de Jazz de Montreux y, en 1968, en el de Newport Folk. Después vendrían sus conciertos en Europa y su gira, en 1970, como telonero de los Rolling Stones. De esta etapa es su álbum The thrill is gone. Años más tarde, en 1976, editó su disco Together for the first time.
B.B. King es uno de los guitarristas más populares de todos los tiempos y una leyenda viva del blues. Considerado por muchos como el Rey del blues, es el mejor embajador en todo el mundo y ha sido de los que más han trabajado para popularizarlo. Ha influenciado prácticamente a todos los guitarristas de blues y rock que le han sucedido, debido a que su estilo es el ABC de la guitarra solista, espléndido resumen de las técnicas básicas para los solos.
Su humilde y elegante estilo, mezcla de góspel, jazz y blues del Delta, es un compendio perfecto entre expresión rítmica y síntesis melódica. Con tan solo cuatro o cinco notas colocadas en el lugar preciso es capaz de decirlo todo.
Esto, unido a un excelente control de bendings y prebendings a diferentes intervalos y a una técnica de vibrato, que involucra todo el antebrazo, constituye una firma sonora muy imitada pero nunca superada. Se centra en la pentatónica (aunque a menudo añade alguna nota fuera de la escala para dar un toque más jazzero) en una posición del mástil y exprime cada una de las notas, consiguiendo que todas ellas adquieran un significado. Prefiere la expresividad a la rapidez, dando un carácter vocal a su fraseo.
Debuta discográficamente en 1951 con el tema 3 O'Clock Blues y obtiene tal éxito que pasa directamente de Menphis a los grandes escenarios de Nueva York. Su imagen no se puede disociar de su adorada Gibson ES-355, la mítica Lucille. En realidad, Lucille no es única, pues posee varias ES-355 idénticas, todas con el mismo nombre.
De su discografía destacan temas como Lucille, The Thrill is gone o Caldonia. Su media anual casi nunca ha bajado de los doscientos conciertos y en una carrera de cincuenta años ha lanzado al mercado más de cincuenta álbumes. Todavía mantiene una actividad más que envidiable, grabando discos junto a discípulos tan ilustres como los Rolling Stones, Van Morrison, David Gilmour o Eric Clapton y realizando giras por todo el mundo.
B. B. King ha sido un piloto, un conocido jugador y es también un vegetariano, no bebedor y no fumador King ha vivido con diabetes casi diez años y ha sido un visible portavoz en la lucha contra la diabetes, apareciendo en avisos para el manejo de productos para la diabetes. El 26 de enero de 2007, durante una gira, King fue hospitalizado en Galveston, Texas debido a un bajo grado (100.4 °F, 38 °C) de fiebre luego de un reciente ataque de influenza. Fue dado de alta el 27 de enero, tras una estadía de una noche. Tuvo tiempo para terminar su gira, con su actuación el 30 de enero.
King es un defensor de la educación de la música en los niños. En 2002, fue contratado como partidario oficial de Little Kids Rock, una organización sin fines de lucro que provee a los niños de escuelas públicas de todo Estados Unidos lecciones e instrumentos musicales de manera gratuita. Forma parte de la tabla de organizaciones de los directores como miembro honorario.
Lucille
Durante el invierno de 1949, King tocó en un salón de baile en Twist, Arkansas. Para calentar el salón, un barril medio lleno con queroseno fue encendido, una práctica habitual de la época. Durante su actuación, dos hombres comenzaron a pelear, golpeando el barril quemándose y enviando combustible ardiente hacia el suelo. Esto provocó una evacuación. Una vez afuera, King se dio cuenta de que había dejado su guitarra dentro del edificio en llamas. Este entró al incendio para rescatar a su guitarra, una Gibson acústica. Dos personas murieron en el incendio. Al día siguiente, King descubrió que los dos hombres estaban peleando por una mujer llamada Lucille. King nombró a su primera guitarra Lucille, al igual que a todas las que tuvo desde aquella casi fatal experiencia, como recuerdo de no volver a hacer algo tan estúpido como correr hacia un edificio en llamas, incluso compuso una canción con ese título haciendo referencia a la manera en que su guitarra cambió su vida.
Discografía de B. B. King
Singin' The Blues (1957) King of the Blues (1960) My Kind of Blues (1960) Live at the Regal (Live, 1965) Lucille (1968) Live and Well (1969) Completely Well (1969) Indianola Misisipi Seeds (1970) B. B. King in London (1971) Live in Cook County Jail (1971) Guess Who (1972) Lucille Talks Back (1975) Midnight Believer (1978) Live "Now Appearing" at Ole Miss (1980) There Must Be a Better World Somewhere (1981) Love Me Tender (1982) Why I Sing the Blues (1983) B. B. King and Sons Live (Live, 1990) Live at San Quentin (1991) Live at the Apollo (Live, 1991) There is Always One More Time (1991) Deuces Wild (1997) Blues On The Bayou (1998) Riding with the King - con Eric Clapton (2000) Reflections (2003) The Ultimate Collection (2005) B. B. King & Friends: 80 (2005) One Kind Favor (2008)
Algunas frases
Aprender
Lo maravilloso de aprender es que nadie puede arrebatárnoslo.
Cuerdas
¿Sabes que me hace más feliz que nada? Dame seis cuerdas y seré feliz.
Musica
Tu tienes un alma, tu tienes un corazón, tu tienes el sentimiento de que tu música es vida. La vida que vivimos en el pasado, la vida que estamos viviendo hoy y la vida que creo que viviré mañana.
Blues
Yo creo que hay un lugar para tocar la guitarra. Hay un lugar para cantar el blues.
Heroe
Todos tenemos héroes, pero trata de ser tu mismo siempre. Consejo
Siempre tuve la suerte de rodearme de gente con la que he aprendido mucho y me han dado buenos consejos.
Energia
Sé que tengo un trabajo que me gusta, y cuando parece que a la gente le gusta lo que hago, aún me gusta más. Cuando emano algo me vuelve más fuerte, lo que creo que me da energía. Humilde
No creo que sea mi talento. Creo que es el talento de otros lo que me pone humilde, lo que me hace apreciar lo bonitas que pueden ser las cosas; ¡y es que hay tantas cosas! Creacion
Las mujeres son la más grande creación de dios, aunque nosotros los hombres también estamos cerca. Tú eres una, nosotros somos dos. Jazz
El jazz es el hermano mayor del blues. El blues es la secundaria, el jazz es la facultad.
Blues
Para mucha gente el blues es algo sagrado y, cuando me encuentro con alguien que no lo entiende así, no descanso hasta convencerle.
Pienso que el blues, como cualquier otra disciplina musical, tiene un lado bonito y un lado triste, y por otro lado está un lado verdaderamente feliz, por lo que intento representarla de esa manera. El blues no siempre es triste, no al menos para mí. A veces te sientes contento, a veces quieres bailar (yo uso la palabra shaky-boogie), a veces solo quieres sentarte y disfrutar, quizás con alguien al lado. Para todas esas ocasiones es bueno el blues.
Durante su infancia estudió en diversos conservatorios de Rennes, Nantes y Boulogne entre otros. Estudió violín, piano y más tarde composición, aunque no se limitó solamente a estos instrumentos ya que también posee gran técnica en el acordeón y el piano de juguete. Otro instrumento que se debe destacar es la guitarra eléctrica, que ha convertido en el instrumento principal de sus conciertos desde la aparición del álbum On Tour.
Desarrolló su juventud influido por el rock y la chanson (llegando a tener un grupo de rock en la adolescencia), y por la música clásica influido por sus estudios en conservatorio. Esta característica mezcla es base esencial para una comprensión adecuada de su música, llegando a compaginar e incluso unir el rock instrumental con partituras más clásicas durante toda su carrera.
En 1995 publicó su primer álbum bajo el sello Sine Terra Firme (más tarde renombrado como Ici d'Ailleurs), titulado La valse des monstres. La facultad multi-instrumentista de Yann Tiersen se ve reflejada en el producto de su disco, 17 piezas totalmente instrumentales con multitud de matices, sonidos e instrumentos.
Un año más tarde publicó Rue des cascades, disco que incluye su primera canción vocal (que da título al álbum) con la colaboración de la cantante Claire Pichet. Al año siguiente, en 1998, este tema se convertiría en el principal de la banda sonora de la película La vida soñada de los ángeles de Erick Zonca.
Antes de publicar su nuevo disco, realizó varias colaboraciones con distintos músicos de su país, siendo la más destacable el álbum homónimo con Bästard, en el que Tiersen junto al grupo francés Bästard se aleja de sus normativas tradicionales y se adentra en el nebuloso mundo del post-rock y la experimentación. La colaboración con Claire Pichet se repitió en Le phare (1998), su tercer disco que contó además con un nuevo invitado: Dominique A, siendo este uno de los discos más completos y con mejores críticas en el panorama independiente europeo.
Más tarde, durante el verano de 1999 presentó su álbum Tout est calme, esta vez dotando a su música de un aspecto más roquero, al verse acompañado de sus amigos del grupo The Married Monk, liderado por Christian Quermalet. Y en ese mismo año, llegó otro álbum titulado Black Session, grabado el 9 de diciembre durante un concierto rodeado de músicos consagrados de su país como Neil Hannon, Noir Désir, Les Têtes Raides o Mathieu Boogaerts.
En 2001 publicó L’Absente, más cercano a la nueva canción francesa, dentro de los invitados se encuentran: The Vienna Symphony Orchestra, Lisa Germano, Neil Hannon (de The Divine Comedy), Dominique A, Françoiz Breut, Les Têtes Raides, Sacha Toorop (de Zoop Hopop), Natacha Regnier, Christian Quermalet (de The Married Monk), Marc Sens, Christine Ott y un cuarteto de cuerdas. El mismo año publicó el disco que le trajo la mayor cantidad de ovaciones por parte de los medios: La banda sonora de Le fabuleux destin d'Amelie Poulain, que a pesar de que tiene algunos temas nuevos, en mayor parte es integrada por viejas composiciones de sus tres primeros álbumes. Con esta banda sonora conseguiría el reconocimiento del público a nivel mundial.
En 2002, junto a una orquesta y una serie de artistas invitados (entre los cuales estaban Dominique A. y Christian Quermalet) publicó C'etait ici, que compila sus mejores temas en directo en un doble álbum.
Después de una multitudinaria gira en el año 2003, Yann Tiersen volvió a las colaboraciones, esta vez con la roquera estadounidense Shannon Wright con quien compuso en sólo 20 días un disco de título homónimo en el que el rock independiente de Shannon se funde con la instrumentación particular de Tiersen en un total de 10 temas.
Tras L'absente pasarían 5 años sin publicar disco propio hasta que en el año 2005 viera la luz Les Retrouvailles (Los Reencuentros), compuesto y grabado en la isla de Ouessant, lugar de refugio e inspiración de Tiersen. En este disco cuenta con la colaboración nuevamente de Dominique A., además de Miossec, Stuart Staples (de Tindersticks), Liz Fraser (de Cocteau Twins) y Jane Birkin. A este disco le complementa un DVD que salió al mercado oficialmente el 12 de julio con el título de La traversée, película realizada por Aurélie du Boys y en el que se puede ver toda la realización de este último álbum que presentaría en concierto durante todo el año de 2005 y 2006 con un radical cambio en su música en directo, con mayor cantidad de arreglos y cercano al post-rock que siempre ha admirado. Este nuevo sonido quedó recogido en el próximo álbum en directo de Yann Tiersen, titulado On Tour que se editó oficialmente el 13 de noviembre de 2006, acompañado nuevamente de una película musical realizada por Aurelié du Boys que acompañó al músico bretón durante la gira. Gran parte de las grabaciones, pertenecientes tanto a la película como al álbum, son de sus conciertos en España y particularmente en Madrid, ciudad donde tocó 2 veces en un año durante la presentación de Les Retrouvailles.
La composición de sus temas comprende la manipulación de variados instrumentos, entre los cuales cabe destacar el piano de juguete, el acordeón, el violonchelo, el banjo, el clavicordio y la melódica entre otros.
Películas como La Vie Rêvée des Anges (1998, Erick Zonca), Alice et Martin (1998, André Téchiné), Qui Plume la Lune? (1999, Christine Carrière), Amélie (2001, Jean-Pierre Jeunet), Good bye, Lenin! (2003, Wolfgang Becker) y Tabarly (2008, Pierre Marcel) han sido musicalizadas por Yann Tiersen, que anteriormente trabajó en la música dentro del mundo del teatro.
